Cómo entrenar a tu dragón
Título original: How to Train Your Dragon
«La leyenda es real.»
Ficha técnica
- Dirección
- Dean DeBlois
- Guion
- Dean DeBlois
- Reparto
- Mason Thames, Nico Parker, Gerard Butler, Nick Frost, Gabriel Howell, Julian Dennison
- Datos
- Estados Unidos · 125 min · Fantasía, Familia, Acción, Aventura
En general solo voy a decir cosas buenas sobre la película, así que primero diré lo que pueda sonar más negativo: Dreamworks ha sido absolutamente cobarde con esta versión. ¿por qué?, pues porque si no me falla la memoria, es un calco plano por plano de la original. ¿Es eso malo? en absoluto. Es conservador. La mayoría de nosotros nos plantearíamos la necesidad de crear una nueva versión de algo que ya era perfecto, pero ya sabemos que lo han hecho por dinero, así que, una vez superado este escollo, vamos a lo importante: ¿vale la pena esta nueva versión? SI, absolutamente. Las nuevas generaciones descubrirán una aventura fantástica con mensaje de superación, y las generaciones que ya vieron la versión original, podrán rememorar una versión respetuosa y técnicamente excelente, de la película de animación de 2010 (Si amigos, hace 15 años del estreno).
La película tiene un ritmo frenético, que salvo en algunos momentos, no da respiro. El guion tiene chispa, es muy entretenido y se combinan de manera magistral los momentos más cómicos con la acción más brutal.
El castingCasting Proceso de búsqueda y selección de los actores de una película.Ver en el glosario me ha parecido perfecto, y me costaría pensar en otros actores que lo pudiesen hacer mejor. Ya apreciamos el talento de Mason Thames en “Black phone”, y Gerard Butler y Nick Frost se roban el show como los aguerridos Estoico y Gobber. Los chavales secundarios son completamente autoparódicos, pero divertidos.
Esta película es tan parecida a la original que en ocasiones me ha recordado a “Los picapiedra”, que tenía fidelidad absoluta a los dibujos animados. Aquí pasa igual, los chicos llevan hachas de 30 kilos como si fuesen de plástico, tienen caídas mortales sin despeinarse, y reciben fogonazos de aliento de dragón sin inmutarse, pero más allá de estas (necesarias) concesiones, la película funciona como un reloj. Es divertida, emotiva y espectacular. Todo el tercer acto es épico, y monumental, confeccionando en todas sus partes, un live action que merece ser visto. Disfrute masivo para toda la familia.
Tráiler
Dónde ver Cómo entrenar a tu dragón
Pruébalo gratis con Amazon Prime →
En España, según JustWatch. Puede cambiar. El enlace de Prime Video es de afiliado.
Críticas recientes · fantasía
Wicker
Olivia Colman interpreta a una pescadora maloliente y despreciada por todos en una pequeña aldea. Harta del maltrato de sus vecinos por ser una “solterona”, le encarga al cestero del lugar (Peter Dinklage) un marido de mimbre. La sorpresa para todos será que el marido es un tío buenorro de sexo incansable y buen corazón, interpretado por Alexander Skarsgård. Pero ahí los problemas no hacen más que comenzar. Acudí a “Wicker” con ciertas expectativas. Un cuento sobre un hombre de mimbre me trae vibras de historia folk con mala leche. Y no estaba equivocado en la mala leche, pero sí en el tono. La película es para todos los públicos (adolescentes también, pero no niños) pero con un toque de malicia y picante que la hace muy especial. Es una fábula, casi cuento de hadas, con mucha moraleja, que nos recuerda que mejor que nos metamos en nuestros propios asuntos y dejemos vivir a los demás en paz. Además, está rodada con enorme sensibilidad y con un tono etéreo muy particular. Colman y Skarsgård se nota que se lo pasan en grande, pero es que Peter “Tyrion” Dinklage se sale como el catalizador de todas las soluciones y problemas que ocurren en el poblado. “Wicker” no será para todo el mundo. Está hecha desde un prisma muy interesante (dos directores, mujer y hombre) y creo que tal vez a primera vista atraiga más al público femenino que al masculino. En mi caso, me lo he pasado en grande con esta historia pequeña que contiene un mensaje muy grande.
Wildwood: El Bosque Salvaje
Es difícil describir con palabras lo que se siente cuando se ve un hito de la animación en pantalla grande, y si es en el Auditori del Festival de cine de Sitges, la emoción es inconmensurable. El argumento sigue a Prue McKeel, una chica de 12 años de Portland, que pierde a su hermano, secuestrado por unos cuervos, y tiene que adentrarse en el Bosque Impenetrable, un sitio de fantasía donde animales y humanos conviven entre misterios, intrigas de poder y una guerra a punto de estallar. “Wildwood” de Travis Knight, se basa en la trilogía de novelas de Colin Meloy, cantante de The Decemberists y vecino de Portland. Curiosamente, Knight ya conocía la historia a través de Meloy, y ya llevaba queriendo hacer la versión animada desde hacía 16 años, pero Meloy le hizo jurar que no la haría hasta que todos los libros estuviesen publicados. Y Knight cumplió su promesa. Si somos mal pensados, nos pueden venir a la cabeza películas que ya hicieron algo parecido con personajes del bosque, pero con resultados irregulares, como “Ferngully” (1992) o “Epic, el mundo secreto” (2013), pero la nueva película de Travis Knight es mucho más cercana a la creación de mundos de Lewis Carroll con “Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas”, o de Ghibli con “El viaje de Chihiro” o “La princesa Mononoke” pero en un entorno occidental. “Wildwood” crea su propio universo, su propio cuento, con una mezcla de imaginería gótica y folklore europeo, y sorprende por el contenido adulto de sus temas, con lecciones morales terroríficas y el pasado que no nos deja vivir (aquí ningún adulto queda sin su particular castigo). La historia se aleja de los típicos cuentos de niños y trata sus temas con crudeza, no sólo en la trama, sino en lo visual, porque “Wildwood” es violenta y dura, y no escatima en sangre cuando la historia lo requiere. Es una película familiar, pero no es para niños muy pequeños. Quien haya visto alguna película de Laika, sabe que la trama estará cuidada y la animación, mezcla de stop-motion tradicional y otras técnicas modernas, será soberbia. En la película se han usado más de 200 marionetas, 54 personajes protagonistas y más de 100 localizaciones. Según el productor Sam Wilson, el rodaje duró cinco años y la película tiene más de 165.000 fotogramas, cada uno capturado a mano en sesiones de entre 15 minutos y una hora. Trabajaron en ella más de mil personas, y luce cada maldito segundo. En algunos momentos emocionales para los personajes, los rostros están tan bien hechos y animados, y tienen tanta textura, que es difícil no llorar. Curiosamente, uno de los motivos por los que Knight no hizo la película antes, fue porque todavía no contaban con la tecnología necesaria para llevarla a cabo tal y como la querían en Laika. El reparto de voces en inglés es excepcional, con Carey Mulligan, Mahershala Ali, Angela Basset, Charlie Day y Richard E. Grant entre muchos otros. Os aseguro que no habéis visto un nivel de despliegue técnico, personajes animados, decorados llenos de texturas, ¡y todo a la vez! como en esta película. Es un espectáculo visual masivo que hay que ver en pantalla grande. Además, una película en la que Tom Waits hace de coyote, tenía que ser buena.
Buddy
Para el cinéfilo menos aventurero, “Buddy” sería la siguiente película divertida para llevar a los hijos a una tarde de cine. Un bonito y amable unicornio ameniza los días a los niños de una pequeña aldea. Todo parece idílico, pero el valle inquietante acecha, y en tus entrañas sabes que toda la escena no tiene nada de idílico. Buddy esconde un secreto que no es precisamente de Barrio Sésamo. La película es una gozada de principio a fin. Es un terror divertido que bebe mucho del terror liminal, esos espacios inquietantes en los que sabemos que algo malo está sucediendo pero no somos conscientes de toda la realidad. El show de “It’s Buddy!” se convierte en una especie de purgatorio para los niños y adultos que se encuentran en él, y Buddy ejerce de anfitrión a lo Willy Wonka que permite que los niños sean felices, siempre y cuando obedezcan sus normas. Por desgracia Buddy no lleva nada bien cuando se le lleva la contraria, y estos actos sirven como catalizadores para la locura del “amable” muñeco. “Buddy” juega mucho con la comedia, riéndose de todos los clichés de las series noventeras al estilo de los Teletubbies y Barney, el dinosaurio morado. Pero además, la película tiene la habilidad de romper los esquemas e irnos sorprendiendo continuamente mientras expande el universo del propio show de niños. El humor funciona, y el terror también, y tengo que admitir que me ha dejado una sensación muy extraña al acabarla, como de felicidad culpable. Como si esta noche me fuese a acostar plácidamente en la cama y al abrir los ojos me fuese a encontrar dentro del show, riéndole las gracias a un unicornio gigante de peluche. La sensación es como cuando algunos cuarentones vimos el extracto “It’s a good life” de “En los límites de la realidad”, dirigido por Joe Dante. Las pesadillas duraron meses. En la película se dan cambios de formato cinematográfico justificados por el argumento, y que le añaden una capa plástica muy atractiva y a veces terrorífica. Se nota que es una película de bajo presupuesto, 3 millones de dólares, pero está bien utilizado y luce perfecto para la historia que trata de contar. Los niños son excelentes y la voz de Keegan-Michael Key es terrorífica, porque sabe pasar de personaje apacible a psicópata de tacto suave en décimas de segundo. “Buddy” me ha divertido mucho, y no quiero ser pesado, pero dura 95 minutos que pasan en un suspiro. No tiene subtramas innecesarias y cumple su trabajo con rigor (y con hacha). Una gran película muy recomendable.
El Hijo del Carpintero
En el Egipto romano, el Carpintero (Nicolas Cage), la Madre (FKA twigs) y su hijo adolescente (Noah Jupe) viven escondidos después del nacimiento del chico. A lo largo de su adolescencia, la familia se tendrá que enfrentar a horrores diversos, algunos mundanos y otros más… desconocidos. Aunque los personajes principales no tienen nombre, la historia sigue a José, María y Jesús y se basa vagamente en el Evangelio apócrifo de la infancia de Tomás. Es muy interesante que el cine casi no haya tocado este momento vital de Jesucristo, pero también coherente con que los Evangelios canónicos apenas se hable de este periodo. Pero aún es más fascinante que Lotfy Nathan haya decidido tratar este tema en clave de quasi terror. La película está hecha con pocos medios, pero con gran imaginación. El bajo presupuesto pide iluminación nocturna, lúgubre y vestiduras sobrias y harapientas, pero es que la historia tampoco pide más. Se centra en el terror, las dudas y los errores de un joven que es demasiado importante y muy poco consciente de ello. Noah Jupe ya nos dio una interpretación increíble en “Hamnet”, y aquí está mucho más contenido, pero sin duda le puede dar la contra al inigualable Nicolas Cage, que aquí está contenido en gran parte del metraje, hasta que se suelta. “The Carpenter’s Son” es contenida e inquietante. Es una visión muy particular que en otras manos podría haber sido algo muy diferente. Tal vez mejor, pero sin duda, también mucho peor.