La psicopata
Título original: Victorian Psycho
«No la olvidarás.»
Ficha técnica
- Dirección
- Zachary Wigon
- Guion
- Virginia Feito
- Reparto
- Maika Monroe, Thomasin McKenzie, Ruth Wilson, Jason Isaacs, Evie Templeton, Jacobi Jupe
- Datos
- Estados Unidos, Reino Unido · 102 min · Terror, Suspense
En 1858, una institutriz joven y excéntrica llamada Winifred Notty, interpretada por Maika Monroe, llega a una remota mansión gótica conocida como Ensor House. Allí, pronto las cosas se empezarán a complicar, con asuntos del pasado y también del presente, porque ser una asesina en serie nunca es fácil.
“Victorian Psycho”, que se basa en la novela homónima de la madrileña Virginia Feito, parte de una premisa argumental muy potente, una chica de apariencia inocente que es en realidad una psicópata psicótica en un mundo dominado por hombres y flanqueado por mujeres envidiosas. ¿Qué puede salir mal? La respuesta es TODO.
Tengo que admitir que el tono es desconcertante, porque eso de mezclar la época victoriana con conceptos y visuales muy modernos, a veces no marida bien. En este caso es lo que llamaríamos un mixed bag que a veces funciona y a veces no. La potente premisa pierde mucho fuelle después del primer acto, porque el patrón no para de repetirse, y todo se sostiene sobre todo por la desenfrenada interpretación de Maika Monroe y de los secundarios de lujo que la acompañan, como Jason Isaacs y Thomasin McKenzie.
Todos están desatados, pero Monroe sorprende, porque en sus mejores películas de terror siempre ha estado muy contenida emocionalmente (It Follows, Longlegs), y aquí resulta casi irreconocible en sus cambios de registro de la más estricta contención al más salvaje desenfreno.
La película podría haber tenido más poso, tal vez más misterio antes del descubrimiento (que no es tal, porque hasta el título nos lo dice), y sobre todo más sangre, aunque no creo que escatime en hemoglobina, pero tal cual está, “Victorian Psycho” resulta entretenida y satisfactoria, aunque su recuerdo se apague al poco rato de haber salido del cine.
Tráiler (en inglés)
Críticas recientes · terror
VRDLK: Family of Vurdulak
“Red Iron Road” es una antología de terror animado que se presentó como un viaje por doscientos años de literatura europea de terror. Lo curioso es que todos los autores que adapta son rusos y que acabó resultando una propaganda encubierta de una Rusia con una imagen muy herida por la guerra. La crearon Aljosha Klimov e Iouri Stepanov, con producción del estudio canadiense Lakeside Animation y el moldavo Metrafilms. Cada episodio dura entre 10 y 20 minutos y lo firma un equipo distinto, con una técnica de animación propia. El resultado es irregular, pero muy interesante. “VRDLK” abre con “La familia del vurdalak”, la novela corta gótica que Alekséi Tolstói escribió en 1839. Un diplomático atrapado en una nevada se refugia con una familia serbia que le advierte de las bestias que cazan de noche. Lo siguiente será un auténtico baño de sangre. “The Forest King” coge “El rey del bosque”, el poema de Vasili Zhukovski de 1818 (su versión rusa del “Erlkönig” de Goethe), y lo convierte en un videojuego de realidad virtual que atrapa a un niño. “The Ratcatcher’s Daughter” adapta a Alexander Grin y lleva la acción al Petrogrado de 1920, con ratas conspirando bajo tierra. “The Undertaker”, hecho en Estonia por Nukufilm, parte del cuento de Pushkin de 1831 en el que un enterrador da una fiesta e invita a sus clientes muertos. El último tramo nos lleva a los dosmiles. “Lord” adapta un relato de Dmitri Tíjonov de 2015 y es básicamente “Mad Max” con mutantes; también es el episodio peor valorado por el público con diferencia. “No. 8 Reporting” parte de “Mozharovo”, un cuento de Dmitri Bykov de 2007 sobre una ciudad amurallada cuyos habitantes solo pueden salir en un tren de ayuda humanitaria. Un reportero se sube para ver qué hay fuera. La segunda temporada empezó con “In the Heat”, basado en un relato de Anna Starobinets, en 2023, pero por el momento no hay más episodios. Lo mejor de “Red Iron Road” es la variedad de estilos, como con "Love, Death & Robots" y lo peor, que la etiqueta europea disimula lo que realmente es: una antología de terror ruso estrenada en plena guerra de Ucrania, con una Rusia invendible a occidente.
La residencia
"La Residencia" es un cuento gótico exquisito, muy bien rodado (parece una película de la Hammer) y con un aire bastante más refinado que el fantaterror español que vendría después. Realmente cuesta imaginar por qué Ibáñez Serrador decidió no continuar su carrera cinematográfica en pos de su carrera televisiva, pero a veces es mejor no jugar con las cosas del comer, y como era bueno en todo, tal vez escogió lo que le daba más beneficio. En todo caso, nos dejó dos de los grandes clásicos del cine inquietante en España, ésta y "¿Quién puede matar a un niño?", y en idioma inglés, porque Ibáñez Serrador siempre tuvo, ante todo, visión.
Clayface
“Clayface” es la nueva entrega de este extraño universo DC sin rumbo. Por suerte, la película abraza el body horror más repulsivo y el revenge thriller más ochentero. Matt Hagen, un actor en pleno ascenso en Hollywood, queda desfigurado tras el ataque de un jefe criminal de Gotham. Desesperado, se somete a un tratamiento experimental que reconfigura la materia orgánica, pero el experimento sale mal. Lo mejor de la película es que tiene un corte clásico y no trata de inventar la rueda. Tiene una estructura sencilla pero eficaz y no abusa ni de efectos visuales ni de recursos facilones. Me ha parecido algo muy parecido a lo que veríamos una noche de sábado en los 80 después de pasar por el videoclub, y eso me ha gustado mucho. El atormentado personaje de Matt Hagen (Tom Rhys Harries) tiene un arco de venganza con mucho sentido que lo lleva a cometer actos terroríficos. Los efectos son sencillos pero muy efectivos, y el gore fluye salvaje y sorprendentemente para una película de DC. De hecho hay algunos momentos de horror corporal que me dieron muchísimo asco, mucho más que con otras películas supuestamente más repulsivas. Dicho esto, vuelvo a lo enrevesado de este universo DC. Tenemos historias superheroicas como “Superman”, space operas fallidas como “Supergirl”, comedias negras de acción como “Peacemaker” y ahora este “Clayface” oscurísimo que no parece encajar demasiado bien en ningún género amigable con el universo de James Gunn. ¿Hacia dónde va esto? Sinceramente no tengo ni idea y tampoco parece que le importe a demasiada gente. Fui al cine con cinéfilos bastante bien informados y no tenían ni idea si la película era sobre un villano de “The Batman II” o si saldría en la siguiente de “Superman” junto con el Pingüino. La gente ya no sabe ni lo que esperar ni lo que va a ver. Había muchos niños en la sala que creo que no han salido demasiado convencidos ni contentos, y los padres menos (demasiada sangre). “Clayface” es muy disfrutable. Una sólida película “standalone” que intentarán meter con calzador en un universo enloquecido, pero no hagáis caso. Pasad un buen rato sin pensar demasiado en el futuro.
Species (Sanguine)
Margot, es interna en las urgencias agotadoras del hospital Charles Boyau. Allí atiende a pacientes jóvenes con mutaciones misteriosas mientras su propio cuerpo empieza a transformarse. Éste es el argumento de “SANGUINE”, que ha ganado la 59ª edición del Festival de cine de Sitges como mejor película, y sin haberlas visto todas ni mucho menos, creo que merece el galardón. Tiene buen ritmo y bebe bastante de otras películas conocidas, pero le imprime una textura propia, tanto visual como de mensaje, que la hace muy relevante. El body horror ha pasado de ser alimento de películas de terror de serie B cuyo único propósito era horrorizarnos, a convertirse en símbolo de los problemas sociales de nuestros tiempos, y algunas directoras francesas contemporáneas se han convertido en sus principales adalides. Coralie Fargeat, Julia Ducournau y ahora Marion Le Corroller con su ópera prima “Sanguine”. Las similitudes estéticas y sonoras con “La sustancia” son evidentes, pero su temática deriva hacia otros derroteros. Lo que en la película de Fargeat era una crítica a la obsesión por la belleza, aquí la advertencia mordaz es hacia la explotación laboral y el estrés de un mundo que cada vez va más rápido, a veces sin demasiado propósito. Aún más similar en temática me ha parecido a “Alphas” con esa enfermedad que solo parece afectar a jóvenes, aunque la alegoría es hacia la drogadicción y el SIDA. Me ha gustado la mezcla de seriedad y algo de comedia involuntaria de la película, aunque tal vez me ha faltado un poco de intensidad. A pesar de ser una gran película, carga con el bagaje de las comparaciones evidentes y peca de tal vez haber llegado 5 años más tarde. Es una muy buena película pero se desinfla un poco en su tercer acto, aunque la moraleja final es durísima, cruda y letal. Solo con sus últimos 5 minutos ya merece cualquier premio que le den.