VRDLK: Family of Vurdulak
Ficha técnica
- Dirección
- Sam Chou
- Guion
- Ellery Van Dooyeweert
- Reparto
- Dan Beirne, Adrian Egan, Keegan Hedley, Michelle Monteith, Gwynne Phillips, John Stocker
- Datos
- Canadá · 13 min · Animación, Terror
“Red Iron Road” es una antología de terror animado que se presentó como un viaje por doscientos años de literatura europea de terror.
Lo curioso es que todos los autores que adapta son rusos y que acabó resultando una propaganda encubierta de una Rusia con una imagen muy herida por la guerra.
La crearon Aljosha Klimov e Iouri Stepanov, con producción del estudio canadiense Lakeside Animation y el moldavo Metrafilms. Cada episodio dura entre 10 y 20 minutos y lo firma un equipo distinto, con una técnica de animación propia.
El resultado es irregular, pero muy interesante.
“VRDLK” abre con “La familia del vurdalak”, la novela corta gótica que Alekséi Tolstói escribió en 1839. Un diplomático atrapado en una nevada se refugia con una familia serbia que le advierte de las bestias que cazan de noche. Lo siguiente será un auténtico baño de sangre.
“The Forest King” coge “El rey del bosque”, el poema de Vasili Zhukovski de 1818 (su versión rusa del “Erlkönig” de Goethe), y lo convierte en un videojuego de realidad virtual que atrapa a un niño. “The Ratcatcher’s Daughter” adapta a Alexander Grin y lleva la acción al Petrogrado de 1920, con ratas conspirando bajo tierra. “The Undertaker”, hecho en Estonia por Nukufilm, parte del cuento de Pushkin de 1831 en el que un enterrador da una fiesta e invita a sus clientes muertos.
El último tramo nos lleva a los dosmiles.
“Lord” adapta un relato de Dmitri Tíjonov de 2015 y es básicamente “Mad Max” con mutantes; también es el episodio peor valorado por el público con diferencia. “No. 8 Reporting” parte de “Mozharovo”, un cuento de Dmitri Bykov de 2007 sobre una ciudad amurallada cuyos habitantes solo pueden salir en un tren de ayuda humanitaria. Un reportero se sube para ver qué hay fuera.
La segunda temporada empezó con “In the Heat”, basado en un relato de Anna Starobinets, en 2023, pero por el momento no hay más episodios.
Lo mejor de “Red Iron Road” es la variedad de estilos, como con "Love, Death & Robots" y lo peor, que la etiqueta europea disimula lo que realmente es: una antología de terror ruso estrenada en plena guerra de Ucrania, con una Rusia invendible a occidente.
Críticas recientes · animación
Wildwood: El Bosque Salvaje
Es difícil describir con palabras lo que se siente cuando se ve un hito de la animación en pantalla grande, y si es en el Auditori del Festival de cine de Sitges, la emoción es inconmensurable. El argumento sigue a Prue McKeel, una chica de 12 años de Portland, que pierde a su hermano, secuestrado por unos cuervos, y tiene que adentrarse en el Bosque Impenetrable, un sitio de fantasía donde animales y humanos conviven entre misterios, intrigas de poder y una guerra a punto de estallar. “Wildwood” de Travis Knight, se basa en la trilogía de novelas de Colin Meloy, cantante de The Decemberists y vecino de Portland. Curiosamente, Knight ya conocía la historia a través de Meloy, y ya llevaba queriendo hacer la versión animada desde hacía 16 años, pero Meloy le hizo jurar que no la haría hasta que todos los libros estuviesen publicados. Y Knight cumplió su promesa. Si somos mal pensados, nos pueden venir a la cabeza películas que ya hicieron algo parecido con personajes del bosque, pero con resultados irregulares, como “Ferngully” (1992) o “Epic, el mundo secreto” (2013), pero la nueva película de Travis Knight es mucho más cercana a la creación de mundos de Lewis Carroll con “Las aventuras de Alicia en el país de las maravillas”, o de Ghibli con “El viaje de Chihiro” o “La princesa Mononoke” pero en un entorno occidental. “Wildwood” crea su propio universo, su propio cuento, con una mezcla de imaginería gótica y folklore europeo, y sorprende por el contenido adulto de sus temas, con lecciones morales terroríficas y el pasado que no nos deja vivir (aquí ningún adulto queda sin su particular castigo). La historia se aleja de los típicos cuentos de niños y trata sus temas con crudeza, no sólo en la trama, sino en lo visual, porque “Wildwood” es violenta y dura, y no escatima en sangre cuando la historia lo requiere. Es una película familiar, pero no es para niños muy pequeños. Quien haya visto alguna película de Laika, sabe que la trama estará cuidada y la animación, mezcla de stop-motion tradicional y otras técnicas modernas, será soberbia. En la película se han usado más de 200 marionetas, 54 personajes protagonistas y más de 100 localizaciones. Según el productor Sam Wilson, el rodaje duró cinco años y la película tiene más de 165.000 fotogramas, cada uno capturado a mano en sesiones de entre 15 minutos y una hora. Trabajaron en ella más de mil personas, y luce cada maldito segundo. En algunos momentos emocionales para los personajes, los rostros están tan bien hechos y animados, y tienen tanta textura, que es difícil no llorar. Curiosamente, uno de los motivos por los que Knight no hizo la película antes, fue porque todavía no contaban con la tecnología necesaria para llevarla a cabo tal y como la querían en Laika. El reparto de voces en inglés es excepcional, con Carey Mulligan, Mahershala Ali, Angela Basset, Charlie Day y Richard E. Grant entre muchos otros. Os aseguro que no habéis visto un nivel de despliegue técnico, personajes animados, decorados llenos de texturas, ¡y todo a la vez! como en esta película. Es un espectáculo visual masivo que hay que ver en pantalla grande. Además, una película en la que Tom Waits hace de coyote, tenía que ser buena.
Coyote vs. Acme
COYOTE VS. ACME Un coyote que está harto de que le fallen los productos ACME cada vez que intenta cazar al correcaminos, decide demandar a la corporación y con ello, destapa una conspiración surrealista llena de corrupción y traiciones. Entiendo las buenas intenciones. A través de un asunto totalmente cartooniano, la película desarrolla una trama seria, siempre teniendo en cuenta que nos lo pasemos bien y nos divirtamos. Que el coyote esta vez sea el auténtico protagonista de la película, ayuda a que quieras que esto realmente funcione. Por desgracia, "Coyote vs. ACME" no consigue sorprender, y se queda en un entretierras extraños que puede aburrir a los niños y que no es lo suficientemente serio o atrayente para los adultos. Will Forte y Lana Condor hacen lo que pueden, los visuales son buenísimos, y siempre es maravilloso cuando hay una película que mezcla animación 2D con imagen real, pero... De verdad querría que esto me hubiese encantado, pero se me ha quedado en un sencillo "ok". Es un estreno de la semana en plataformas, ni más ni menos que eso.
Minions & Monsters
Minions & Monstruos es un maravilloso homenaje a la historia del cine pero muy parcial al fantástico. Todo el primer acto es cine mudo (pero con voz en off) mientras nuestros divertidos amigos navegan las aguas de la mitología. Cuando el Hollywood clásico les abre las puertas, la película se convierte en un slapstick de los años 30 plagado de guiños al cine clásico, incluyendo productores gordos, con malas pulgas y hambrientos de dinero. Todo el último tramo se convierte en un creature feature al más puro estilo serie B. El amor que los creadores han puesto en esto, es evidente. Han querido que haya un aprendizaje sobre el universo del cine, mientras nos divertimos, y creo que lo han conseguido. Como mínimo nos partiremos de risa viendo las salvajadas que hacen estos gamberros amarillos.
Toy Story 5
MI CRÍTICA DE TOY STORY 5 Cada película de Toy Story ha sido capaz de tocar algún tema universal con el que todos nos sentimos identificados. Los niños porque son niños, y los adultos porque en algún momento lo fuimos, pero perdimos la inocencia. Toy Story trataba de la amistad, TS2 nos enseñó que el amor real es mejor que cualquier museo, TS3 trató los ciclos vitales tanto de los niños como de sus juguetes, y TS4 nos enseñó sobre la autorrealización. Todas ellas lo hicieron con gran habilidad y siempre desde la dicotomía de un villano que con su infinita maldad, normalmente provocada por falta de cariño, ayudaba a que nuestros queridos protagonistas se uniesen hacia un objetivo común. La fórmula ha funcionado durante cuatro entregas, y me satisface deciros que Toy Story 5 sigue esta misma línea y se convierte en un nuevo triunfo de Pixar. La adicción de muchos niños a los dispositivos electrónicos es algo que no pasa desapercibido, y menos a Pixar. El tema no podría ser más interesante, y se trata de manera muy sensible en esta quinta parte, con ciertas reminiscencias a Inside out 2 en cuanto al exquisito tratamiento de la psique infantil femenina. Las dos últimas películas tal vez habían sido demasiado adultas en cuanto a ciertas situaciones de máxima tensión que generaban incomodidad incluso en mayores (todos recordamos la escena de la incineradora en TS3), pero aquí, volvemos a un tono más amable y con un enfoque más infantil que no le quita ni un ápice de interés a la trama. Es bonito que se vayan cerrando etapas de cada uno de los personajes y que sus vidas evolucionen casi como las de los seres humanos, pero resulta todavía más gratificante que descubramos que nosotros hemos ido evolucionando junto a ellos a lo largo de estos 30 años (31 en noviembre).