Nosferatu
Ficha técnica
- Dirección
- Robert Eggers
- Guion
- Robert Eggers
- Reparto
- Lily-Rose Depp, Nicholas Hoult, Bill Skarsgård, Aaron Taylor-Johnson, Willem Dafoe, Emma Corrin
- Datos
- Estados Unidos · 133 min · Terror, Fantasía
Mi análisis sin spoilers de “Nosferatu” de Robert Eggers.
“Nosferatu”(2024) es la enésima revisión del mito del vampiro de Transilvania. Esta vez, de un creador de cine inquietante y de terror que ha conseguido destacar sobre el resto con un estilo inconfundible, que a muchos nos ha cautivado: Robert Eggers.
El “Nosferatu” de Eggers tiene mucho de terror gótico, bebe profundamente del material original de Murnau, sobre todo en sus detalles estéticos y en los juegos de luces y sombras. Pero también hay fuertes reminiscencias a la versión del 79 en la conformación del personaje del conde Orlok y la personalidad de Ellen, que aquí toma una relevancia aún mayor, con una relación hipnótica y de dependencia malsana entre ambos personajes, que me ha recordado también al “Drácula, de Francis Ford Coppola”. Eggers ha tomado lo que más le ha interesado del mejor cine de vampiros, y ha conformado su propia versión, con su estilo propio, muy característico, dando como resultado una de las mejores películas sobre vampirismo hechas hasta ahora. La misión no era fácil y Eggers la ha superado con creces.
Es imposible no comparar con la versión de Murnau y la de Herzog. También con todas las versiones “oficiales” del mito de Dracula o incluso las miles de películas de vampiros hechas en los 102 años que han existido películas de chupasangres (“Nosferatu” fue la primera, en 1922). Afrontando la comparación, “Nosferatu” de Eggers entraría fácilmente en un TOP 10 de películas sobre vampirismo.
La película no engaña en ningún momento, Ellen Hutter (Lily Rose-Depp) será la gran protagonista de la historia, y la película tendrá su base en la relación entre Orlok y ella. El resto de personajes serán actores secundarios en esta historia de amor malsano y maltrato psicológico y físico, que bien se podría comparar con muchas relaciones actuales en el mundo real (pero sin los colmillos).
Cuando estaba en el cine pensé varias veces que nunca vería esta película en mi casa solo, con la oscuridad de la noche, porque, literalmente, me cagaría de miedo. A pesar del terror atmosférico, Eggers decide pegarnos unos sustos épicos que provocarán más de un ataque al corazón.
Orlok como personaje, tiene una potencia abrumadora. Su físico es imponente y dista mucho de la figura raquítica y espectral de las versiones anteriores del conde. Las decisiones estéticas con respecto al personaje, seguro que molestarán a los más puristas (como no podía ser de otra manera), pero creo que su estética pasará directa al top de presencias vampíricas en el imaginario popular. Os recomiendo no buscar nada hasta que veáis la película, porque el aspecto del personaje es un spoiler como tal. Bill Skarsgård siempre ha aportado en sus retratos de personajes monstruosos, y su presencia magnética se nota en cada fotogramaFotograma Cada una de las imágenes fijas que forman una película. En cine se proyectan 24 por segundo.Ver en el glosario del Conde Orlok.
El resto de los actores están excelentes, comenzando por Nicholas Hoult y Lily Rose Depp, y terminando por un gran elenco de actores de reparto que lo bordan. Especial atención a esa extraña versión del doctor Van Helsing, interpretada por Willem Dafoe, cuyo personaje Profesor Albin Eberhart Von Franz es un auténtico robaescenas.
Estéticamente, la película es gloriosa, con una fotografía magnífica (atención a las escenas iluminadas solo con velas). Los efectos visuales están muy bien integrados, aunque me hubiese gustado que fuesen menos evidentes. Ésta era una gran oportunidad para usar un 100% de efectos prácticos. En todo caso, ésta es una apreciación personal ante una película de factura impecable y belleza indeleble. Algunos de sus planos van a quedar en el recuerdo del mejor cine de terror.
La música de Robin Carolan es muy ambiental y encaja muy bien con el devenir de la historia.
Si tenéis inseguridades sobre ir a verla al cine o no, vuestro rasero debería de ser la afinidad que tengáis con el cine de Eggers. Si os gusta su cine, ésta os alucinará. Si no os gusta su estilo, guardaos el dinero para otra película. Si me preguntáis a mí, “Nosferatu” es un rotundo sí. Un viaje a los infiernos, un resumen de lo que puede ser el amor más enfermizo, llevado hasta sus últimas consecuencias, una declaración de amor a ese personaje que tanto le ha dado al cine, y a nuestras pesadillas.
Vídeo análisis:
NOSFERATU Y EL MITO DE DRACULA (NOSFERATU DE ROBERT EGGERS Y SUS INFLUENCIAS)
Dónde ver Nosferatu
En España, según JustWatch. Puede cambiar.
Tráiler
Críticas recientes · terror
VRDLK: Family of Vurdulak
“Red Iron Road” es una antología de terror animado que se presentó como un viaje por doscientos años de literatura europea de terror. Lo curioso es que todos los autores que adapta son rusos y que acabó resultando una propaganda encubierta de una Rusia con una imagen muy herida por la guerra. La crearon Aljosha Klimov e Iouri Stepanov, con producción del estudio canadiense Lakeside Animation y el moldavo Metrafilms. Cada episodio dura entre 10 y 20 minutos y lo firma un equipo distinto, con una técnica de animación propia. El resultado es irregular, pero muy interesante. “VRDLK” abre con “La familia del vurdalak”, la novela corta gótica que Alekséi Tolstói escribió en 1839. Un diplomático atrapado en una nevada se refugia con una familia serbia que le advierte de las bestias que cazan de noche. Lo siguiente será un auténtico baño de sangre. “The Forest King” coge “El rey del bosque”, el poema de Vasili Zhukovski de 1818 (su versión rusa del “Erlkönig” de Goethe), y lo convierte en un videojuego de realidad virtual que atrapa a un niño. “The Ratcatcher’s Daughter” adapta a Alexander Grin y lleva la acción al Petrogrado de 1920, con ratas conspirando bajo tierra. “The Undertaker”, hecho en Estonia por Nukufilm, parte del cuento de Pushkin de 1831 en el que un enterrador da una fiesta e invita a sus clientes muertos. El último tramo nos lleva a los dosmiles. “Lord” adapta un relato de Dmitri Tíjonov de 2015 y es básicamente “Mad Max” con mutantes; también es el episodio peor valorado por el público con diferencia. “No. 8 Reporting” parte de “Mozharovo”, un cuento de Dmitri Bykov de 2007 sobre una ciudad amurallada cuyos habitantes solo pueden salir en un tren de ayuda humanitaria. Un reportero se sube para ver qué hay fuera. La segunda temporada empezó con “In the Heat”, basado en un relato de Anna Starobinets, en 2023, pero por el momento no hay más episodios. Lo mejor de “Red Iron Road” es la variedad de estilos, como con "Love, Death & Robots" y lo peor, que la etiqueta europea disimula lo que realmente es: una antología de terror ruso estrenada en plena guerra de Ucrania, con una Rusia invendible a Occidente.
La residencia
"La Residencia" es un cuento gótico exquisito, muy bien rodado (parece una película de la Hammer) y con un aire bastante más refinado que el fantaterror español que vendría después. Realmente cuesta imaginar por qué Ibáñez Serrador decidió no continuar su carrera cinematográfica en pos de su carrera televisiva, pero a veces es mejor no jugar con las cosas del comer, y como era bueno en todo, tal vez escogió lo que le daba más beneficio. En todo caso, nos dejó dos de los grandes clásicos del cine inquietante en España, ésta y "¿Quién puede matar a un niño?", y en idioma inglés, porque Ibáñez Serrador siempre tuvo, ante todo, visión.
Clayface
“Clayface” es la nueva entrega de este extraño universo DC sin rumbo. Por suerte, la película abraza el body horror más repulsivo y el revenge thriller más ochentero. Matt Hagen, un actor en pleno ascenso en Hollywood, queda desfigurado tras el ataque de un jefe criminal de Gotham. Desesperado, se somete a un tratamiento experimental que reconfigura la materia orgánica, pero el experimento sale mal. Lo mejor de la película es que tiene un corte clásico y no trata de inventar la rueda. Tiene una estructura sencilla pero eficaz y no abusa ni de efectos visuales ni de recursos facilones. Me ha parecido algo muy parecido a lo que veríamos una noche de sábado en los 80 después de pasar por el videoclub, y eso me ha gustado mucho. El atormentado personaje de Matt Hagen (Tom Rhys Harries) tiene un arco de venganza con mucho sentido que lo lleva a cometer actos terroríficos. Los efectos son sencillos pero muy efectivos, y el gore fluye salvaje y sorprendentemente para una película de DC. De hecho hay algunos momentos de horror corporal que me dieron muchísimo asco, mucho más que con otras películas supuestamente más repulsivas. Dicho esto, vuelvo a lo enrevesado de este universo DC. Tenemos historias superheroicas como “Superman”, space operas fallidas como “Supergirl”, comedias negras de acción como “Peacemaker” y ahora este “Clayface” oscurísimo que no parece encajar demasiado bien en ningún género amigable con el universo de James Gunn. ¿Hacia dónde va esto? Sinceramente no tengo ni idea y tampoco parece que le importe a demasiada gente. Fui al cine con cinéfilos bastante bien informados y no tenían ni idea si la película era sobre un villano de “The Batman II” o si saldría en la siguiente de “Superman” junto con el Pingüino. La gente ya no sabe ni lo que esperar ni lo que va a ver. Había muchos niños en la sala que creo que no han salido demasiado convencidos ni contentos, y los padres menos (demasiada sangre). “Clayface” es muy disfrutable. Una sólida película “standalone” que intentarán meter con calzador en un universo enloquecido, pero no hagáis caso. Pasad un buen rato sin pensar demasiado en el futuro.
Species (Sanguine)
Margot, es interna en las urgencias agotadoras del hospital Charles Boyau. Allí atiende a pacientes jóvenes con mutaciones misteriosas mientras su propio cuerpo empieza a transformarse. Éste es el argumento de “SANGUINE”, que ha ganado la 59ª edición del Festival de cine de Sitges como mejor película, y sin haberlas visto todas ni mucho menos, creo que merece el galardón. Tiene buen ritmo y bebe bastante de otras películas conocidas, pero le imprime una textura propia, tanto visual como de mensaje, que la hace muy relevante. El body horror ha pasado de ser alimento de películas de terror de serie B cuyo único propósito era horrorizarnos, a convertirse en símbolo de los problemas sociales de nuestros tiempos, y algunas directoras francesas contemporáneas se han convertido en sus principales adalides. Coralie Fargeat, Julia Ducournau y ahora Marion Le Corroller con su ópera prima “Sanguine”. Las similitudes estéticas y sonoras con “La sustancia” son evidentes, pero su temática deriva hacia otros derroteros. Lo que en la película de Fargeat era una crítica a la obsesión por la belleza, aquí la advertencia mordaz es hacia la explotación laboral y el estrés de un mundo que cada vez va más rápido, a veces sin demasiado propósito. Aún más similar en temática me ha parecido a “Alphas” con esa enfermedad que solo parece afectar a jóvenes, aunque la alegoría es hacia la drogadicción y el SIDA. Me ha gustado la mezcla de seriedad y algo de comedia involuntaria de la película, aunque tal vez me ha faltado un poco de intensidad. A pesar de ser una gran película, carga con el bagaje de las comparaciones evidentes y peca de tal vez haber llegado 5 años más tarde. Es una muy buena película pero se desinfla un poco en su tercer acto, aunque la moraleja final es durísima, cruda y letal. Solo con sus últimos 5 minutos ya merece cualquier premio que le den.