Posesión infernal: En llamas
Título original: Evil Dead Burn
«Toda familia tiene sus demonios.»
Ficha técnica
- Dirección
- Sébastien Vaniček
- Reparto
- Souheila Yacoub, Tandi Wright, Hunter Doohan, Luciane Buchanan, Erroll Shand, Maude Davey
- Datos
- Estados Unidos · 110 min · Terror
CRÍTICA DE EVIL DEAD BURN
VIDEO ANÁLISIS SAGA EVIL DEAD (PINCHA AQUÍ)
La trilogía de “Posesión infernal” es como si un niño de 12 años con mucha imaginación y bastante maldad, hubiese tenido recursos para hacer tres películas con sus amigos. Comenzamos con gore hardcore, seguimos con comedia slapstick y mejores efectos prácticos y continuamos con una aventura medieval llena de monstruos, de maravilloso stop-motion y que continúa con el humor negro. Ah, y con algún Oldsmobile Delta 88 siempre paseándose por allí. Una trilogía poco convencional pero que gracias precisamente a sus ideas locas, consiguió trascender sobre la mayoría y elevar a sus creadores al rango de ídolos.
Sam Raimi, Bruce Campbell y Robert Tapert decidieron que no había suficiente con la trilogía y han continuado manteniendo la saga viva con un remakeRemake Nueva versión de una película anterior que mantiene la historia y la actualiza.Ver en el glosario, una serie épica y dos entregas ultrasanguinarias.
“Evil dead rise” sacó el Necronomicón de la eterna cabaña y lo llevó a un bloque de edificios. Además añadió el componente de la emocionalidad (madre-hijos) en una saga que en su mayor parte solo había tratado de un tipo con muy poca vergüenza, bastante suerte y una motosierra asesina de deadites.
Pues bien, con “Evil dead burn” el componente emocional explota, con una muerte “accidental” que funciona como vehículo para una reunión familiar en una casa que bien podría servir para un remake de “House, una casa alucinante”. Sébastien Vaniček explora las emociones y lo desagradable, acercándose, como no podría ser de otra manera, al terror extremo francés, y alejándose irremediablemente de la comedia negra.
Hasta aquí bien, pero el problema es que se toma DEMASIADO tiempo en hacer que empaticemos razonablemente con algunos de los personajes, y se toma DEMASIADO tiempo en el componente gore y extremo. Ya sé que estoy hablando de una entrega de “Evil dead”, pues claro que tendrá que haber gore, y de hecho por eso voy a verla. Pero es un tipo de cine que no requiere de casi 2 horas para ser contado.
Las películas de este género son snacks de impulso, que te comes, disfrutas y vas a por el siguiente. En este tipo de películas, cuando toca, hay mucho gore pero no satura, te dan simplemente la cantidad justa para gozar y seguir adelante. En cambio “Evil dead burn” no se acaba nunca. Tiene visuales salvajes, gore extremo, momentos absolutamente vomitivos (me encanta) pero lo tiene todo en demasía. Literalmente algunos momentos hicieron que me marease fuertemente, pero eso tal vez sea la edad, así que no se lo puedo atribuir a Vaniček.
Me gustó, pero sobre todo ME AGOTÓ ¿Es una más que digna entrega de la saga que amamos? sí, por supuesto. ¿Es perfecta? no, en absoluto. Si os gusta el cine de terror gore, la disfrutaréis, pero sin duda no está diseñada para el gran público.
Dónde ver Posesión infernal: En llamas
En España, según JustWatch. Puede cambiar.
Tráiler
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VRDLK: Family of Vurdulak
“Red Iron Road” es una antología de terror animado que se presentó como un viaje por doscientos años de literatura europea de terror. Lo curioso es que todos los autores que adapta son rusos y que acabó resultando una propaganda encubierta de una Rusia con una imagen muy herida por la guerra. La crearon Aljosha Klimov e Iouri Stepanov, con producción del estudio canadiense Lakeside Animation y el moldavo Metrafilms. Cada episodio dura entre 10 y 20 minutos y lo firma un equipo distinto, con una técnica de animación propia. El resultado es irregular, pero muy interesante. “VRDLK” abre con “La familia del vurdalak”, la novela corta gótica que Alekséi Tolstói escribió en 1839. Un diplomático atrapado en una nevada se refugia con una familia serbia que le advierte de las bestias que cazan de noche. Lo siguiente será un auténtico baño de sangre. “The Forest King” coge “El rey del bosque”, el poema de Vasili Zhukovski de 1818 (su versión rusa del “Erlkönig” de Goethe), y lo convierte en un videojuego de realidad virtual que atrapa a un niño. “The Ratcatcher’s Daughter” adapta a Alexander Grin y lleva la acción al Petrogrado de 1920, con ratas conspirando bajo tierra. “The Undertaker”, hecho en Estonia por Nukufilm, parte del cuento de Pushkin de 1831 en el que un enterrador da una fiesta e invita a sus clientes muertos. El último tramo nos lleva a los dosmiles. “Lord” adapta un relato de Dmitri Tíjonov de 2015 y es básicamente “Mad Max” con mutantes; también es el episodio peor valorado por el público con diferencia. “No. 8 Reporting” parte de “Mozharovo”, un cuento de Dmitri Bykov de 2007 sobre una ciudad amurallada cuyos habitantes solo pueden salir en un tren de ayuda humanitaria. Un reportero se sube para ver qué hay fuera. La segunda temporada empezó con “In the Heat”, basado en un relato de Anna Starobinets, en 2023, pero por el momento no hay más episodios. Lo mejor de “Red Iron Road” es la variedad de estilos, como con "Love, Death & Robots" y lo peor, que la etiqueta europea disimula lo que realmente es: una antología de terror ruso estrenada en plena guerra de Ucrania, con una Rusia invendible a Occidente.
La residencia
"La Residencia" es un cuento gótico exquisito, muy bien rodado (parece una película de la Hammer) y con un aire bastante más refinado que el fantaterror español que vendría después. Realmente cuesta imaginar por qué Ibáñez Serrador decidió no continuar su carrera cinematográfica en pos de su carrera televisiva, pero a veces es mejor no jugar con las cosas del comer, y como era bueno en todo, tal vez escogió lo que le daba más beneficio. En todo caso, nos dejó dos de los grandes clásicos del cine inquietante en España, ésta y "¿Quién puede matar a un niño?", y en idioma inglés, porque Ibáñez Serrador siempre tuvo, ante todo, visión.
Clayface
“Clayface” es la nueva entrega de este extraño universo DC sin rumbo. Por suerte, la película abraza el body horror más repulsivo y el revenge thriller más ochentero. Matt Hagen, un actor en pleno ascenso en Hollywood, queda desfigurado tras el ataque de un jefe criminal de Gotham. Desesperado, se somete a un tratamiento experimental que reconfigura la materia orgánica, pero el experimento sale mal. Lo mejor de la película es que tiene un corte clásico y no trata de inventar la rueda. Tiene una estructura sencilla pero eficaz y no abusa ni de efectos visuales ni de recursos facilones. Me ha parecido algo muy parecido a lo que veríamos una noche de sábado en los 80 después de pasar por el videoclub, y eso me ha gustado mucho. El atormentado personaje de Matt Hagen (Tom Rhys Harries) tiene un arco de venganza con mucho sentido que lo lleva a cometer actos terroríficos. Los efectos son sencillos pero muy efectivos, y el gore fluye salvaje y sorprendentemente para una película de DC. De hecho hay algunos momentos de horror corporal que me dieron muchísimo asco, mucho más que con otras películas supuestamente más repulsivas. Dicho esto, vuelvo a lo enrevesado de este universo DC. Tenemos historias superheroicas como “Superman”, space operas fallidas como “Supergirl”, comedias negras de acción como “Peacemaker” y ahora este “Clayface” oscurísimo que no parece encajar demasiado bien en ningún género amigable con el universo de James Gunn. ¿Hacia dónde va esto? Sinceramente no tengo ni idea y tampoco parece que le importe a demasiada gente. Fui al cine con cinéfilos bastante bien informados y no tenían ni idea si la película era sobre un villano de “The Batman II” o si saldría en la siguiente de “Superman” junto con el Pingüino. La gente ya no sabe ni lo que esperar ni lo que va a ver. Había muchos niños en la sala que creo que no han salido demasiado convencidos ni contentos, y los padres menos (demasiada sangre). “Clayface” es muy disfrutable. Una sólida película “standalone” que intentarán meter con calzador en un universo enloquecido, pero no hagáis caso. Pasad un buen rato sin pensar demasiado en el futuro.
Species (Sanguine)
Margot, es interna en las urgencias agotadoras del hospital Charles Boyau. Allí atiende a pacientes jóvenes con mutaciones misteriosas mientras su propio cuerpo empieza a transformarse. Éste es el argumento de “SANGUINE”, que ha ganado la 59ª edición del Festival de cine de Sitges como mejor película, y sin haberlas visto todas ni mucho menos, creo que merece el galardón. Tiene buen ritmo y bebe bastante de otras películas conocidas, pero le imprime una textura propia, tanto visual como de mensaje, que la hace muy relevante. El body horror ha pasado de ser alimento de películas de terror de serie B cuyo único propósito era horrorizarnos, a convertirse en símbolo de los problemas sociales de nuestros tiempos, y algunas directoras francesas contemporáneas se han convertido en sus principales adalides. Coralie Fargeat, Julia Ducournau y ahora Marion Le Corroller con su ópera prima “Sanguine”. Las similitudes estéticas y sonoras con “La sustancia” son evidentes, pero su temática deriva hacia otros derroteros. Lo que en la película de Fargeat era una crítica a la obsesión por la belleza, aquí la advertencia mordaz es hacia la explotación laboral y el estrés de un mundo que cada vez va más rápido, a veces sin demasiado propósito. Aún más similar en temática me ha parecido a “Alphas” con esa enfermedad que solo parece afectar a jóvenes, aunque la alegoría es hacia la drogadicción y el SIDA. Me ha gustado la mezcla de seriedad y algo de comedia involuntaria de la película, aunque tal vez me ha faltado un poco de intensidad. A pesar de ser una gran película, carga con el bagaje de las comparaciones evidentes y peca de tal vez haber llegado 5 años más tarde. Es una muy buena película pero se desinfla un poco en su tercer acto, aunque la moraleja final es durísima, cruda y letal. Solo con sus últimos 5 minutos ya merece cualquier premio que le den.