Sitges 2026: crónica del 59.º Festival
Un baile de graduación teñido de rojo
La 59.ª edición del Festival de Sitges se presentó con una pseudo Sissy Spacek empapada en sangre en el cartel, y no podía haber mejor declaración de intenciones del festival de este año. Se cumplían cincuenta años de “Carrie”, la película de Brian De Palma que convirtió una novela de Stephen King en una de las pesadillas adolescentes más perdurables del cine, además, se estrenaba la nueva versión de la mano de Mike Flanagan, y el festival decidió que los poderes paranormales serían el hilo conductor de todo lo que ocurriera entre el 8 y el 18 de octubre en la costa del Garraf.
Las cifras dan una idea del tamaño del monstruo en el que se está convirtiendo este festival: 442 proyecciones repartidas en 14 secciones, 290 largometrajes, 127 cortos y 645 invitados, la mayoría cineastas y actores que venían a presentar sus películas. La venta anticipada de entradas llegó a crecer casi un 20 % respecto a 2025, y el balance final de asistencia cerró con un 6 % más de público que el año anterior. Sitges sigue siendo una máquina que no deja de crecer, a veces hasta el punto de que uno se pregunta cuánto más puede estirarse sin perder lo que lo hace especial. Sin ánimo de entrar en críticas, los días de festival cada vez se sienten más colapsados, y que el cine de El Retiro siga sin abrirse desde hace varios años, no ayuda a mejorar. Aún así, creo que seguimos teniendo la suerte de tener el mejor festival de cine fantástico del mundo, y eso es gracias a las personas que lo hacen posible y sobre las que a veces, se vierten críticas bastante gratuitas.
Esta crónica no pretende ser un repaso exhaustivo del festival. Nadie puede verlo todo en Sitges, y quien diga lo contrario miente o no duerme, o ha visto la mitad de las películas ya en su casa por otras vías. Esto es el relato de mi festival: las veintinueve películas y series que he reseñado con la etiqueta #sitges2026, los momentos que viví en el Auditori y las visitas que convirtieron esta edición en una de las más estelares de los últimos años. Y al final, como manda la tradición, os presento el palmarés completo para que no se os escape ninguna de las importantes.
Este año me ha tocado más montaña rusa que nunca. He salido del cine llorando, aplaudiendo, aburrido y, en un par de ocasiones, enfadado. Que es exactamente para lo que uno va a Sitges.
El año Carrie y la inauguración: Carlota Pereda y un adiós a Julio Fernández
Empiezo por la “Carrie” de Mike Flanagan, la nueva adaptación en serie para Prime Video que el festival abrazó como pieza central de su año "Carrie", junto a la proyección en 4K del clásico de De Palma. Era un reto casi suicida: tocar por cuarta vez una novela cuya versión más famosa es una obra maestra indiscutible. Flanagan la reformula en clave centennial, con Instagram, influencers, música pop pegadiza y una Margaret White que defiende su fanatismo religioso a golpe de redes sociales. Me pareció una serie notable, con muchos tonos pastel que hacen de contrapunto a la crueldad de los personajes, y con una Carrie que, aunque inocente, no es ninguna tonta. El problema es el listón que el propio Flanagan se ha puesto con “La maldición de Hill House” y “Misa de medianoche”. Si se la juzga como algo independiente, es sólida, entretenida y terrorífica. Y el propio Stephen King ya la ha bendecido.
El jueves 8 de octubre llegó la gala de inauguración, con una novedad histórica: por primera vez, una directora española abría Sitges. Carlota Pereda, que ya se llevó el Méliès d'Or con “Cerdita”, presentó “Found Alive”, su salto al cine estadounidense con Chloë Grace Moretz como protagonista. Es solo la cuarta vez que una mujer inaugura el festival. La película, basada en la novela “The Edge of Normal” de Carla Norton y coproducida por Nostromo Pictures, explora las cicatrices que dejan los secuestros de larga duración. Pereda explicó que quería darle la vuelta al tópico y centrarse en la víctima, no en el psicópata.
A mí me convenció bastante. Le cuesta encontrar la historia que quiere contar, pero cuando se descubre el núcleo de la trama se vuelve apasionante. Juega a ser un “El silencio de los corderos” en su faceta más procedimental, con homenajes bien buscados a la obra maestra de Demme, y tiene un villano que da miedo precisamente porque ese tipo de maldad existe y sale en las noticias. Moretz está estelar como víctima traumatizada, y ojalá explore más este registro dramático. Hay saltos de fe importantes en el guion, pero es una buena película, seria y que toca la fibra. Y me alegro de que Pereda tenga en Estados Unidos los medios que aquí nunca habría tenido: lo que en España es un millón, allí son quince.
La gala tuvo también su momento emotivo. Se proyectó un vídeo en recuerdo de Julio Fernández, fundador de Filmax y presidente de la compañía hasta 2010, fallecido el año pasado. Sus hijas Laura y Sandra subieron al escenario, y Mònica Garcia, directora de la Fundació del festival, lo definió como un visionario que apostó por el fantástico cuando casi nadie lo hacía. Quien haya crecido con las películas de Filmax en el videoclub sabe que no exageraba.
El sábado de los gigantes: Peter Jackson, Rick Baker y la familia Bacon
Si hubiera que quedarse con un solo día de esta edición, sería el sábado 10 de octubre. Fue de esos días que justifican un festival entero.
Por la tarde, en plena Zombie Walk, el desfile de muertos vivientes que cada año toma las calles en el primer sábado del festival, apareció por sorpresa Peter Jackson en la terraza del Centre Cultural Miramar. A su lado estaba Rick Baker, el mago del maquillaje con siete Óscar a sus espaldas. Ver a esos dos señores dando el pistoletazo de salida a una marea de zombis es una imagen que resume Sitges como dios. Yo estaba allí, y os lo cuento más abajo, en mis highlights.
Jackson volvía al festival por primera vez en más de tres décadas. En 1992 había presentado aquí “Braindead”, y este año el festival proyectó la nueva restauración en 4K de su salvajada de culto, con Diana Peñalver, su protagonista española, charlando sobre la película con Ángel Sala. Por la noche, en el Auditori del Meliá, Peñalver y Sala le entregaron el Gran Premio Honorífico. El detalle no era menor: Jackson ha repetido muchas veces que su película favorita es el “King Kong” de 1933. El público le dedicó una ovación larguísima, con gente esperando en la alfombra roja con carteles de “Braindead” y carátulas de “El señor de los anillos”. Él respondió llamando a Sitges su festival preferido de todos los tiempos, prometió volver dentro de otros 34 años y cerró su discurso con un grito de guerra: «King Kong rules!».
Esa misma noche subieron al escenario Kevin Bacon y Kyra Sedgwick, que también recibieron el Gran Premio Honorífico. Venían a presentar “Family Movie”, una comedia negra metacinematográfica que Bacon dirige, Sedgwick produce y en la que actúan los dos junto a sus hijos, Sosie y Travis. Va de una familia de cineastas que encuentra un cadáver en el rodaje de un slasher de bajo presupuesto y decide esconderlo para no parar de rodar. La película se rodó en la propia casa familiar. Bacon y Sedgwick la definieron como una carta de amor al género y defendieron el trabajo humano frente a las máquinas. En la rueda de prensa, Bacon aseguró que tiene las mismas ganas y la misma pasión que a los 18 años, y que no lee las críticas. Cuando les preguntaron por sus miedos reales, la familia entera citó a Donald Trump, Bacon añadió la inteligencia artificial y su hijo Travis, a los multimillonarios que quieren quedarse con el mundo. Así es normal que ninguno de ellos mencionase el cine de terror.
King Kong, con Rick Baker y Peter Jackson
El domingo 11, Sitges Clàssics celebró el cincuenta aniversario del “King Kong” de 1976, el de John Guillermin y Dino De Laurentiis, con su restauración en 4K y dos invitados de lujo: Rick Baker, el joven que diseñó el traje del gorila y lo llevó puesto en la mayoría de escenas, y Peter Jackson, devoto confeso del monstruo y autor de su propia versión de 2005. Es una película que forma parte de mi infancia videoclubera y que defiendo sin ningún pudor. Baker contó que los productores tenían clarísimo que iban a hacer una versión «mucho mejor» (muy entrecomillado) que la de 1933, actualizada a los setenta, y que querían humanizar al gorila, que se comportara más como un hombre que como un mono. También recordó los litros que sudaba dentro del traje en jornadas interminables. Teniendo en cuenta que años después hizo los gorilas hiperrealistas de “Gorilas en la niebla”, está claro que podía haber hecho algo muy distinto.
En pantalla grande luce con todas sus virtudes y todos sus defectos. Tiene rincones vacíos, Jessica Lange está atrapada en un papel plano de «rubia tonta» y Charles Grodin es pura autoparodia como lameculos corporativo. Pero la sustitución del Empire State por las Torres Gemelas, el villano petrolero y ese final con disparos cargados de odio sobre la carne de Kong siguen funcionando. Es una película que merece reivindicarse aunque siempre vaya a quedar a la sombra del clásico de Cooper y Schoedsack y de la versión de Peter Jackson de 2005. Que Jackson y Baker compartieran sala, con un gorila gigante de por medio, tiene algo de justicia poética.
Ese mismo fin de semana, Michael Ironside, Premio Màquina del Temps en 2011, volvió para hablar de su carrera y de “Scanners” de Cronenberg, otra de las joyas restauradas de una edición dedicada a los poderes mentales. Las cabezas que explotan nunca pasan de moda, y las malas lenguas dicen que Ironside se lo pasó en grande haciéndose fotos con los fans mientras que imitaba un estrangulamiento.
Maternidad, folk horror, jabalíes y cucharitas de postre
El domingo 11 tuve otra de esas sesiones en el Auditori que se recuerdan. “Nightborn”, de la finlandesa Hanna Bergholm, es un estudio poco sutil pero muy interesante sobre la maternidad y la depresión posparto, envuelto en folk horror. Bergholm confirmó en la presentación que hizo la película después de su propia maternidad, y se nota. Como padre, solo puedo ver desde fuera lo que siente una madre en esas semanas, pero me reconocí en muchos momentos: un ser desvalido entra en tu casa y se convierte en el centro de tu universo. Seidi Haarla está excepcional, Rupert Grint cumple como el marido que no entiende nada, y lo que más me gustó es que la película tiene muchísimo humor. Es lo que le faltaba a “Lamb”, con la que comparte tantas cosas. Dura noventa y dos minutos y no le sobra ni falta ni uno.
El mismo domingo llegó “Too Many Beasts” (“L'Espèce explosive”), el debut como directora de Sarah Arnold. En la campiña francesa, unos jabalíes demasiado grandes y numerosos arrasan las cosechas y enfrentan a agricultores, instituciones y clubes privados, mientras una pareja imposible de investigadores, Alexis Manenti y Ella Rumpf, se mete de lleno en las entrañas más apestosas del pueblo. Mezcla thriller rural y comedia negra de manera extrema, directa y eficaz, y entretiene hasta el último segundo. Reí y me emocioné a partes iguales. Manenti y Rumpf son casi autoparódicos como policía amargado y psicóloga atrapada en un mundo lleno de orangutanes, pero es premeditado y favorece una comedia casi de sitcom, sobre todo en el tramo final. Las bestias del título son los jabalíes, pero también las de la aldea, las que van a dos patas y muchas veces son peores que los propios animales. Menudo peliculón.
Ese día también vi “Corporate Retreat”, una salida de empresa que acaba fatal. Me lo pasé mucho mejor de lo que debería, y me ha dejado un trauma con las cucharitas de postre que todavía no he superado. Puro placer culpable.
Treinta años de Tesis y el fantástico hecho en casa
El cine español también tuvo sus homenajes, y el más esperado era el de Alejandro Amenábar, que recogió el Premio Méliès a toda una carrera coincidiendo con los treinta años de “Tesis”. Su ópera prima, aquel thriller de snuff movies en una facultad madrileña que en 1996 nos dejó a todos pegados a la butaca, volvió a Sitges en una versión restaurada con la velocidad de imagen corregida y el sonido remasterizado. Es la misma versión que llegará a los cines el 19 de noviembre. El festival había anunciado también la presencia de Eduardo Noriega y Fele Martínez para acompañar la sesión. Amenábar aprovechó la visita para soltar una noticia que a los fans del género nos interesa mucho: su próxima película será un thriller de terror psicológico, con suspense y misterio, en la que ya está trabajando y que le gustaría estrenar en una futura edición de Sitges. Sin título, sin reparto y sin fechas, pero no necesitamos nada más para empezar a soñar.
El Premio Nosferatu, el que el festival reserva a las figuras del fantástico popular, fue este año para Bárbara Rey. Lo entregaba la sección Brigadoon, que cumplía 40 años, y reconocía una filmografía de género que muchos han olvidado: “El buque maldito” de Amando de Ossorio, “La noche de los brujos”, “La muerte ronda a Mónica” o “Carne apaleada” de Javier Aguirre. Esta última, por cierto, se recuperó en el ciclo Seven Chances, la retrospectiva de películas con al menos quince años de antigüedad que este año también rescató “The Quiet Earth”, “Office Killer” y la versión restaurada en 4K de “Misterio”. Es una de esas reivindicaciones que solo puede hacer Sitges, y que hay que agradecer.
La sección WomanInFan, dedicada a las mujeres en el cine fantástico, reconoció a dos iconos: la japonesa Meiko Kaji, eterna “Lady Snowblood” y Sasori, y Adrienne Barbeau, la reina del cine de Carpenter. Que Barbeau, protagonista de “La niebla”, fuera homenajeada el mismo año en que Adam Wingard estrenaba un homenaje apenas disimulado a esa película, es una de esas casualidades que hacen sonreír. De “Aniquilación” hablo más abajo.
Kaji cantó a capella el tema principal de "Lady snowblood" en su pase especial del 16 de octubre, y dicen que fue una de las cosas más bonitas en los 58 años de historia del festival.
La semana central: un unicornio, un bosque y un lobo que asoma
El martes 13 vi la película que más me ha hecho reír y temblar al mismo tiempo en todo el festival. “Buddy”, de Casper Kelly, parece a primera vista la siguiente peli simpática para llevar a los niños: un unicornio de peluche amable que anima los días de los críos de una aldea idílica. Pero el valle inquietante acecha desde el primer plano, y Buddy esconde un secreto que no es precisamente de Barrio Sésamo. Es terror liminal y comedia a partes iguales, una parodia de los Teletubbies y de Barney que se convierte en una especie de purgatorio con un anfitrión a lo Willy Wonka que no soporta que le lleven la contraria. Los cambios de formato están justificados por la historia, los niños son excelentes y la voz de Keegan-Michael Key pasa de apacible a psicópata en décimas de segundo. Con tres millones de dólares y 95 minutos que vuelan, me dejó una sensación de felicidad culpable parecida a la que me dejó de pequeño el segmento de Joe Dante en “En los límites de la realidad”. El jurado le dio el premio al mejor guion, y no podría estar más de acuerdo.
Wildwood: llorar en el Auditori
El viernes 16 de octubre viví el momento más emocionante de mi festival. Ver un hito de la animación en pantalla grande ya es difícil de describir, y si es en el Auditori de Sitges, la emoción no cabe en el cuerpo. “Wildwood”, de Travis Knight, es la nueva película de Laika y adapta la trilogía de novelas de Colin Meloy, el cantante de The Decemberists. Knight llevaba dieciséis años queriendo hacerla, pero Meloy le hizo jurar que esperaría a que todos los libros estuvieran publicados. Cumplió, y además tuvo que esperar a que la tecnología de Laika estuviera a la altura de lo que quería.
La historia sigue a Prue McKeel, una niña de Portland que se adentra en el Bosque Impenetrable para rescatar a su hermano, secuestrado por cuervos. Uno puede pensar en “FernGully” o en “Epic”, pero el mundo de “Wildwood” está mucho más cerca de Lewis Carroll o de “El viaje de Chihiro” y “La princesa Mononoke”, trasladados a un bosque occidental de imaginería gótica y folklore europeo. Es una película familiar que no es para niños muy pequeños: es dura, tiene sangre cuando la historia la pide y ningún adulto se libra de su castigo. Más de 200 marionetas, 54 personajes principales, más de cien localizaciones, cinco años de rodaje, más de 165.000 fotogramasFotograma Cada una de las imágenes fijas que forman una película. En cine se proyectan 24 por segundo.Ver en el glosario capturados a mano y más de mil personas trabajando en ella. Y luce cada segundo. Hay rostros de marioneta con tanta textura que es imposible no llorar. Con Carey Mulligan, Mahershala Ali, Angela Bassett, Charlie Day y Richard E. Grant en las voces, y con Tom Waits haciendo de coyote, tenía que ser buena. Es mi película del festival. El público la eligió como su favorita de la Sección Oficial, y llega a los cines con ese premio bajo el brazo.
Wingard y Miike: la nostalgia que no siempre basta
Ese mismo viernes vi “Aniquilación” (“Onslaught”), de Adam Wingard, una carta de amor a la serie BSerie B Películas de bajo presupuesto y rodaje rápido. El nombre viene de la segunda película de las sesiones dobles del Hollywood clásico.Ver en el glosario de los setenta y ochenta que bebe descaradamente de John Carpenter. Para mí es un homenaje poco encubierto a “La niebla”: asesinos implacables de ojos luminosos, niebla perpetua, sintetizadores y una madre dispuesta a todo por su hija. Los tres asesinos usan armas míticas del slasher y parecen indestructibles, como si Jason, Michael Myers y Leatherface persiguieran juntos a los protagonistas. La fotografía de claroscuros es espectacular, pero los personajes no funcionan: la Celeste de Adria Arjona me daba ganas de ingresarla, Rebecca Hall está desaprovechada y a Dan Stevens, actor fetiche de Wingard, le dan poco donde rascar, aunque su personaje es más que interesante. Es un consumible para hora y media de adrenalina, y a veces no hace falta más. Al menos sale Reginald VelJohnson, nuestro Carl Winslow de “Cosas de casa”.
El mismo día llegó una de mis mayores decepciones. Tuve mi época de obsesión con Takashi Miike a principios de los 2000, con “Dead or Alive”, “Visitor Q”, “Ichi the Killer” o “La felicidad de los Katakuri”, así que esperaba con ganas “Bad Lieutenant: Tokyo”. Tenía que ser tan dura y subversiva como sus hermanas de Ferrara y Herzog, y con la pizca de locura de Miike. No es ni lo uno ni lo otro. Es un producto flácido, sin ingenio ni sorpresa, con un protagonista sin sangre que acaba de perrito faldero de la agente del FBI de Lily James, un personaje que no aporta nada. Solo se salva el villano, un exyakuza que convierte a sus víctimas en albóndigas y que siempre lleva un cubo de «herramientas». Miike hace varias películas al año; ya vendrá otra buena.
Asia en vena: wuxia, samuráis y fantasmas
“Blades of the Guardians” fue la experiencia más bestia del festival. En la China de los Sui, el cazarrecompensas Dao Ma escolta a un misterioso viajero a través del desierto hasta Chang'an, perseguido por clanes rebeldes y facciones que solo quieren darles caza. Es intensa, brutal y agotadora, y salí del cine extasiado. Tiene algunas de las luchas cuerpo a cuerpo y con armas blancas más salvajes y técnicamente complejas que he visto en pantalla, con unos efectos visuales exquisitos y toda la grandilocuencia del wuxiaWuxia Género chino de artes marciales protagonizado por caballeros errantes que se rigen por un código de honor, en una China histórica o legendaria. Nace en la literatura y llega al cine con títulos como «Dragon Inn» o «Tigre y dragón».Ver en el glosario más exacerbado. Aparecen literalmente cientos de personajes, presentados con rótulos en pantalla como en un reel de TikTok, pero da igual: aquí lo importante son las hostias. No soy un gran seguidor del cine chino, pero reconocí al gran Jet Li en una de las peleas más espectaculares. Es para verla en pantalla grande y con un bol enorme de palomitas. El público de Focus Asia también la eligió como su favorita.
“El samurái y el prisionero”, de Kiyoshi Kurosawa, transcurre en el Japón del siglo XVI. Araki Murashige está sitiado en su castillo tras rebelarse contra Oda Nobunaga, y para resolver una serie de crímenes imposibles recurre a Kuroda Kanbei, el brillante estratega al que tiene encerrado en sus propias mazmorras. Cuando dirige el autor de “Cure” y “Pulse”, sabes que el ritmo será pausado y sin grandes aspavientos. La trama es apasionante, casi una fábula de hace cientos de años que mezcla hechos históricos, como el sitio al castillo, con asesinatos de ficción, y Kurosawa le imprime una sobriedad que a veces la lastra y otras es justo lo que necesita. La disfruté porque esperaba ese tono, pero a quien no conozca al director ni este tipo de cine le puede resultar algo soporífera.
“Never After Dark”, de Dave Boyle, es un caso extraño: una película de fantasmas japonesa dirigida por un occidental, como lo fue “The Raid” con su director británico rodando en Indonesia. Boyle lleva años ligado a Japón, desde una misión mormona en la que aprendió japonés hasta la serie “House of Ninjas”, cuyo productor Kento Kaku le dio la oportunidad de hacer la película que quisiera. Casi todo el equipo técnico son veteranos del terror japonés, y el J-Horror se huele en la textura y el tono, pero el fondo es muy americano, menos contemplativo y más centrado en el misterio. Me recordó mucho a “Insidious” y a su más allá, y lo digo como un elogio. Que todo se vea desde el punto de vista de la médium es un acierto, los sustos funcionan y la estructura obliga a estar muy atento. Una de las grandes sorpresas del festival.
Robert Eggers abre la caja de Werwulf
A mitad de semana, Robert Eggers recogió el Premio Màquina del Temps, el galardón que Sitges reserva a quienes han renovado el fantástico. Este año el festival entregó cinco galardones, y entre los premiados estaban también Takashi Shimizu, el padre de “Ju-On”, Bob Murawski, montador de Sam Raimi y cofundador de Grindhouse Releasing, y Mark L. Lester, director de “Commando” y “Ojos de fuego”. Eggers charló con Ángel Sala sobre folk horror, locura, el papel de las mujeres en el género y las referencias de su “Nosferatu”, que logró cuatro nominaciones al Óscar. Confesó que “La bruja” le cambió la vida. Y regaló al público un avance de “Werwulf”, su película de hombres lobo, que llegará el año que viene.
Ese mismo día, Casey Affleck presentó “Company”, su película como director y coguionista, un cuento gótico con Nick Nolte sobre tres almas heridas entre la venganza y el perdón.
Danny DeVito y el puesto de Dios
El jueves 15 fue el turno de Danny DeVito, que recibió el Gran Premio Honorífico en un año redondo: se cumplen treinta años de “Matilda”, que el festival proyectó el sábado siguiente. DeVito venía como productor de “Drag”, una comedia de terror dirigida por Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman sobre dos hermanas distanciadas que se cuelan en la casa de un artista famoso en la Nueva York rural. La produce junto a sus hijos Jake y Lucy, que además protagoniza la película, y con ellos ha reactivado la mítica Jersey Films. En la rueda de prensa dejó la frase del festival: la única razón por la que se hizo director es porque el puesto de Dios ya estaba ocupado. Habló de su amistad con Michael Douglas desde 1964, de sus ganas de volver a trabajar con Arnold Schwarzenegger y eligió al Pingüino de “Batman vuelve” como su papel favorito, porque Tim Burton le dejó volverse loco de remate. Lucy contó que su padre les ponía películas de Hitchcock con cinco años. Visto lo visto, funcionó: “Drag” acabó llevándose el Premio Especial del Jurado.
El resto de mi festival: risas, serpientes y alguna decepción
El mismo día de la inauguración vi “Beware Boiúna”, una película de monstruos amazónica sobre un equipo de médicos voluntarios que acaba enfrentándose a una serpiente gigantesca, protectora del equilibrio de la selva según la leyenda. Es como si alguien hubiera hecho un resumen de las mejores películas de bichos de los setenta, ochenta y noventa y lo hubiera convertido en guion. Lo que funciona es justo lo que ya hemos visto mil veces. El Amazonas está precioso, los efectos están muy logrados para un presupuesto que no creo que pase de los 15 millones, pero la película se toma demasiado en serio a sí misma, y eso mata este cine. No hay nada peor que proyectar una de monstruos en Sitges y que nadie aplauda cuando la serpiente se zampa a alguien.
Ese primer día dio para dos rarezas más. “Chapter 51” es un mockumentary de asesino misterioso: durante el rodaje de “Dissident”, una superproducción de Hollywood, aparecen asesinadas tres actrices que interpretan el mismo papel, y un exagente del FBI revisa el material filmado para desenmascarar al culpable. Es una de esas películas conceptuales e inclasificables destinadas a ser de culto, cargada de referencias meta y de cambios de formato, incluso IMAX, en la que lo menos importante es quién es el asesino. Su carga cómica, sobre todo la del director cascarrabias, se le hizo pesada a muchos espectadores; a mí me hizo reír a carcajada limpia. Le cuesta encontrar su final, pero no deja indiferente.
“The Carpenter's Son”, de Lotfy Nathan, cuenta la adolescencia de Jesús en clave de casi terror, a partir del Evangelio apócrifo de la infancia de Tomás. En el Egipto romano, el Carpintero (Nicolas Cage), la Madre (FKA twigs) y su hijo (Noah Jupe) viven escondidos y se enfrentan a horrores mundanos y a otros más desconocidos. Está hecha con pocos medios y mucha imaginación, con una luz nocturna y lúgubre y unas vestiduras harapientas que la historia pide a gritos. Noah Jupe, mucho más contenido que en “Hamnet”, le da la réplica a un Nicolas Cage que se contiene casi todo el metraje, hasta que se suelta. Contenida e inquietante; en otras manos podría haber sido mejor, pero también mucho peor.
El viernes 9 me llevé dos sorpresas de signo contrario. “Kill Me” fue la buena. Llegué sin saber nada y salí riéndome: empieza con Charlie Day despertándose en una bañera llena de agua teñida de sangre y llamando a la policía, y a partir de ahí juega con la sospecha y los equívocos con un evidente aroma a “Sospecha” de Hitchcock, pero en clave de comedia negra. Charlie Day hace de Charlie Day, como en “Colgados en Filadelfia”, y aquí encaja como un guante. Allison Williams, como la operadora del 911 que acaba ayudándole, tiene una evolución genuina, y Giancarlo Esposito siempre suma. Muy recomendada.
La mala sorpresa fue “Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma”, de Jane Schoenbrun. Me gusta el cine que arriesga y me obliga a romperme la cabeza, pero aquí Schoenbrun subraya continuamente lo que quiere que entiendas mientras ni siquiera parece tenerlo claro ella misma. Hay una escena en la que la protagonista hace un pitch de su película a unos productores, y a muchos se nos quedó la misma cara de pasmo que a ellos. Había dos grandes películas dentro y se quedó en una regular. Me quedo con la relación entre las dos protagonistas, con una Gillian Anderson a la que es imposible no adorar desde “Expediente X”, con Hannah Einbinder, a quien no conocía, con el diseño de producción de decorados pintados y con un plano secuenciaPlano secuencia Secuencia rodada en una sola toma, sin cortes, con la cámara moviéndose según una coreografía muy precisa.Ver en el glosario hipnótico al ritmo de «A Long December», de Counting Crows. Fue uno de los pocos enfados que me he llevado este año en una sala.
Otro enfado llegó el sábado 17 con “Sacrifice”, de Romain Gavras. Su método es siempre el mismo: un arranque y un primer acto fantásticos que te hacen creer que vas a ver algo especial, y luego se desinfla como un globo. Pasó con “Athena” y vuelve a pasar con esta secta liderada por Anya Taylor-Joy que asalta una gala de famosos para sacrificar a una estrella de cine (Chris Evans), un multimillonario (Vincent Cassel) y una artista. Visualmente tiene momentos poderosos, y Taylor-Joy y Evans lo dan todo, pero no sé si es una crítica al capitalismo, a las sectas o al ecologismo. John Malkovich, otra vez de gurú tras la pésima “Opus”, está en modo automático. Insustancial e insulsa.
El domingo 18, con el palmarés ya anunciado, vi “Hope”, la monster movie de Na Hong-jin, el director de “The Wailing”. Una aldea pesquera junto a la zona desmilitarizada coreana, una bestia misteriosa y persecuciones a pie, en coche y a caballo durante casi todo el metraje, como un “Bullitt” de 160 minutos. Los coreanos son los mejores mezclando géneros: te mueres de risa, de asco y de miedo en la misma secuencia. El primer acto es tremendo, los setpieces son salvajes y la fotografía y la música, excelentes. Pero la segunda mitad se vuelve reiterativa, y no puedo evitar pensar que habría contado lo mismo mejor en dos horas.
También vi “Crawlers”. Es disfrutona y tiene algún momento ingenioso con cristales y látex (quien la vea me entenderá), pero no mantiene el tono, los secundarios son planos y todo recae en Matilda Lutz, que hace lo que puede aunque nadie se crea que es la encargada de mantenimiento de un edificio. “Vermines”, con un tema parecido, es bastante mejor.
“Victorian Psycho”, basada en la novela de la madrileña Virginia Feito, parte de una premisa muy potente: en 1858, una institutriz joven y excéntrica, Winifred Notty, llega a una remota mansión gótica, y bajo su apariencia inocente se esconde una asesina en serie en un mundo dominado por hombres y flanqueado por mujeres envidiosas. El tono desconcierta, porque mezclar la época victoriana con conceptos y visuales muy modernos no siempre marida bien, y la premisa pierde fuelle tras el primer acto porque el patrón no para de repetirse. Lo sostiene una Maika Monroe desatada, casi irreconocible frente a la contención de “It Follows” o “Longlegs”, bien acompañada por Jason Isaacs y Thomasin McKenzie. Le falta poso, misterio y más sangre, pero resulta entretenida y satisfactoria, aunque su recuerdo se apague al poco de salir del cine.
“The Incomer” (“El forastero”), de Louis Paxton, es un cuento de hadas moderno ambientado en una isla remota de Escocia. Todo en ella, incluido el impresionante cartel de Krishna Bala Shenoi, es bello, onírico y algo retorcido, pero tiene un corazón enorme y una moraleja clara. Los tres protagonistas están soberbios, y John Hannah resulta irreconocible como el finman, la criatura del folklore escocés que intenta arrastrar a la protagonista al mar con sus malas artes. Tiene el encanto de esas comedias de choque entre lo moderno y lo antiguo en las que acabamos descubriendo que ni lo moderno es tan bueno ni lo antiguo tan malo. Sencilla, bonita y con un mensaje que llega al alma. El primer jurado FIPRESCI (Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica) de la historia del festival le dio su premio. Siempre en mi equipo este tipo de películas.
“The Cycle” esconde una idea muy grande a nivel conceptual que no voy a desvelar, aunque creo que no llega a desarrollarla del todo. Lo compensa con una atmósfera muy potente y con maquillaje real, sin nada de CGI, algo que en este tipo de producciones marca la diferencia.
“Bar Boo”, de Josiño Araújo, es un documental sobre Luis Bar Boo, el actor vigués de cerca de doscientas películas que trabajó con Clint Eastwood, Arnold Schwarzenegger, Kirk Douglas o Sean Connery. Sorprende que alguien tan presente en fenómenos como el spaghetti western o el fantaterror sea un desconocido para tantos de nosotros, y por eso este homenaje es tan necesario. La factura técnica es impecable, con entrevistas exquisitas a figuras del cine español, a familiares y a expertos en su vida. Verlo fue un auténtico gozo.
Dos títulos más del programa
“Leviticus”, de Adrian Chiarella, es una maravilla sobre la intolerancia y la culpa, contada en menos de noventa minutos, y lo que da más miedo es precisamente lo que ocurre fuera de lo sobrenatural. El festival le dio el Premio Citizen Kane al mejor director revelación.
“Hungry”, la de James Nunn sobre un hipopótamo asesino que se rebela contra los turistas de un safari, me pareció blandita: si veo una peli de un hipopótamo asesino, quiero sangre, y aquí sobra drama. El hipopótamo está muy bien hecho, eso sí.
La clausura: Amy Irving cierra el círculo de Carrie
El festival que había empezado con Sissy Spacek ensangrentada en el cartel terminó con Sue Snell recibiendo un premio. Amy Irving, la chica compasiva de “Carrie”, la que intenta reparar el daño y acaba siendo la única superviviente, recibió el Gran Premio Honorífico en la gala de clausura del sábado 17 de octubre, en el Auditori del Meliá.
Un día antes había protagonizado un encuentro en WomanInFan con Mònica Garcia. Contó que no esperaba la repercusión que tuvo la película de De Palma y que entendió su éxito al ver al público saltar de las butacas en el estreno. Defendió que “Carrie” habla de la vergüenza y del acoso escolar, temas que no desaparecen, y que por eso tiene sentido que la serie de Flanagan atraiga a una nueva generación. Recordó que la audición fue dura, que coincidió con las pruebas de “La guerra de las galaxias” y que De Palma siempre la cuidó. También repasó su nominación al Óscar por “Yentl”, un papel que al principio no quería porque estaba feliz en el teatro, y confesó que aquella noche estaba convencida de que ganaría Linda Hunt, como así fue. Se mostró desencantada con una industria que ve como una competición de popularidad, aunque aceptaría un guion que la sorprendiera.
En la gala, Irving leyó un mensaje del propio Brian De Palma sobre la humanidad que las actrices aportaron a “Carrie” y la vigencia de las buenas interpretaciones. Recordó que la película ganó un premio en el Festival de Avoriaz de 1977, con un jurado presidido por Steven Spielberg, entonces su pareja. Y cerró con un chiste que el público agradeció: recibir el premio era como sentir una palmadita de King Kong en el hombro. La gala también tuvo un recuerdo para el ilustrador Manuel Pérez-San Julián, referente del arte fantástico, fallecido recientemente.
La película de clausura fue “Wicker”, de Alex Huston Fischer y Eleanor Wilson, con Olivia Colman, Alexander Skarsgård y Peter Dinklage. Una pescadora harta de las burlas de sus vecinos encarga un marido de mimbre, y el pueblo arde de indignación y de celos. Un cierre en clave de comedia fantástica, lejos del terror, pero muy en la línea de un festival que este año ha mezclado géneros sin complejos.
Esperaba un cuento folk con mala leche, y acerté en la mala leche pero no en el tono. Es una fábula, casi un cuento de hadas, para todos los públicos menos los niños pequeños, con un punto de malicia y picante que la hace muy especial y una moraleja clara: métete en tus asuntos y deja vivir a los demás. Está rodada con enorme sensibilidad y un tono etéreo muy particular. Colman y Skarsgård se lo pasan en grande, pero Peter Dinklage se sale como el cestero que provoca y resuelve todos los líos del pueblo. No será para todo el mundo, pero yo me lo pasé en grande con esta historia pequeña que contiene un mensaje muy grande.
Sanguine, la ganadora que vi a toro pasado
A la película que se llevó el gran premio llegué el domingo 18, ya conociendo el palmarés. “Sanguine” (estrenada internacionalmente como “Species”) es la ópera prima de Marion Le Corroller, que se estrenó en las sesiones de medianoche de Cannes. Margot es interna en unas urgencias agotadoras donde atiende a jóvenes con mutaciones misteriosas mientras su propio cuerpo empieza a transformarse. Sin haberlas visto todas ni mucho menos, creo que merece el galardón.
El body horror ha pasado de ser carne de serie B a convertirse en símbolo de los males de nuestro tiempo, y las directoras francesas se han convertido en sus grandes adalides: Julia Ducournau, Coralie Fargeat y ahora Le Corroller. Las similitudes estéticas y sonoras con “La sustancia” son evidentes, pero aquí la diana es la explotación laboral y el estrés de un mundo que va cada vez más rápido sin saber muy bien hacia dónde. Temáticamente me recordó todavía más a “Alpha”, con esa enfermedad que solo parece afectar a jóvenes. Me gustó la mezcla de seriedad y comedia involuntaria, aunque eché de menos algo de intensidad y el tercer acto se desinfla un poco. Arrastra el peso de las comparaciones y quizá llega cinco años tarde. Pero su moraleja final es durísima, cruda y letal, y solo por sus últimos cinco minutos merece cualquier premio que le den. Es, además, el tercer año consecutivo en que la ganadora de Sitges está dirigida o codirigida por una mujer.
Mi balance: el año en que el público y yo coincidimos
Pocas veces mis gustos han ido tan de la mano del palmarés. “Wildwood”, mi película del festival, se llevó el premio del público. “Buddy”, mi gran sorpresa, ganó el de mejor guion. “Leviticus”, que me fascinó, se llevó el Citizen Kane a la mejor dirección novel. Y “Sanguine”, la ganadora, me parece una elección justa. El público de Focus Asia premió la misma salvajada wuxia que me dejó extasiado, y el nuevo jurado FIPRESCI se fijó en “The Incomer”, uno de esos cuentos pequeños que siempre tendrán mi voto. Las decepciones, en cambio, fueron cosa de nombres con mucho pedigrí: Miike, Gavras y Schoenbrun. Es la eterna lección de Sitges: las expectativas pueden asesinar una película más rápido que cualquier slasher.
También me quedo con una idea que se repite en casi todas mis reseñas: el terror sin humor se muere. “Nightborn”, “Buddy”, “Kill Me” o “Hope” funcionan porque se atreven a reírse de sí mismas sin miedo, mientras que “Beware Boiúna” o “Lamb”, aquella con la que comparé la película finlandesa, se ahogan en su propia solemnidad.
Y, por encima de todo, me quedo con los momentos humanos: Peter Jackson gritando «King Kong rules!» en el escenario, Rick Baker contando cuánto sudaba dentro del traje de gorila, Danny DeVito explicando que el puesto de Dios ya estaba cogido y Amy Irving leyendo una carta de De Palma cincuenta años después de “Carrie”. Por cosas como ésta vuelvo cada octubre.
Mis highlights
El 9 de octubre acudí casi de casualidad al encuentro con Nicolas Winding Refn y Pino Donaggio, y me encantó. Admito que tenía vetado a Refn en mi watchlist desde hacía tiempo, porque su figura pública me parecía demasiado altiva y desagradable, pero enseguida me di cuenta de que es justo eso, un personaje que él mismo se ha creado. El danés se mueve como pez en el agua en su papel de enfant terrible, pero cara a cara comunica muy bien y sabe ganarse al público con sentencias absolutas que todos disfrutamos y aplaudimos. Allí confesó su amor por la música de Donaggio, y también que le tiene un poco de tirria a De Palma por ser el director que más ha trabajado con el compositor italiano. Nos reímos mucho.
Cada año intento ir a la Zombie Walk del primer sábado del festival, y me cuesta describir lo que sentí cuando, en la edición de este año y a pocos metros de donde estaba, anunciaron la entrada triunfal de Rick Baker y Peter Jackson. Sabía que los dos estaban en Sitges, pero Jackson se había perdido algún acto porque no se encontraba bien después del vuelo, así que su presencia no estaba ni mucho menos asegurada.
En una Zombie Walk llena de extranjeros que quizá solo habían venido a disfrazarse, noté muy poca emoción por ver a aquellos dos titanes en lo alto del Miramar. Yo, en cambio, fui muy feliz. Fue un momento realmente especial.
La sesión de “King Kong” del 11 de octubre fue otro de esos momentos que no se olvidan. Ver la restauración en 4K de la película de Guillermin en su cincuenta aniversario, con Peter Jackson y Rick Baker en la misma sala, ya era un regalo.
Tenerlos juntos, al hombre que se metió dentro del gorila en 1976 y al director que más ha soñado con él, fue como asistir a una reunión familiar de la tribu de Kong.
En el coloquio posterior, moderado por Ángel Sala, hablaron de la película, de los efectos especialesEfectos especiales Trucos que se hacen físicamente durante el rodaje: explosiones, lluvia, maquillaje, maquetas o sangre falsa. Los creados por ordenador se llaman efectos visuales.Ver en el glosario y del mito de Kong. Fue muy divertido ver a Jackson riéndose del muñeco gigantesco de la escena en la que Kong es presentado en sociedad y acaba escapándose.
Después tuve la tremenda suerte de que Baker y Jackson me firmaran los steelbooks de los dos “King Kong” en los que habían participado. Son tesoros que guardaré siempre con cariño.
Y hablando de firmas, también tuve el orgullo de que mis amigos Raúl Cerezo, Bruno Martín y Mario Mayo me firmaran una copia del Blu-ray de “Luger”, que se presentó en Sitges en 2025. Otro bonito recuerdo que me llevo.
Mis películas de Sitges 2026, de mejor a peor:
| Nota | Películas |
|---|---|
| 5 | “Wildwood”, “Bar Boo” |
| 4,5 | “Blades of the Guardians” |
| 4 | “Buddy”, “Sanguine”, “Leviticus”, “King Kong” (1976, restaurada), “Too Many Beasts”, “El samurái y el prisionero”, “Wicker”, “The Incomer” |
| 3,5 | “Nightborn”, “Found Alive”, “Kill Me”, “Hope”, “Aniquilación”, “Carrie” (serie), “Chapter 51”, “The Carpenter's Son”, “Never After Dark”, “Victorian Psycho”, “The Cycle” |
| 3 | “Bad Lieutenant: Tokyo”, “Beware Boiúna”, “Crawlers” |
| 2,5 | “Corporate Retreat”, “Hungry” |
| 2 | “Sacrifice”, “Adolescencia, sexo y muerte en Campamento Miasma” |
Nota sobre 5 estrellas.
Palmarés completo del 59.º Festival de Sitges
Sección Oficial Fantàstic a competición
Jurado: Giona Nazzaro, Valeria Vegas, Andy Starke, Alex Litvak y Merry Colomer.
| Premio | Ganador |
|---|---|
| Mejor película | “Sanguine”, de Marion Le Corroller |
| Premio Especial del Jurado | “Drag”, de Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman |
| Mejor dirección | Joko Anwar, por “Ghost in the Cell” |
| Mejor interpretación femenina | Jasmine Trinca, por “The Spiral” |
| Mejor interpretación masculina | Benoît Magimel, por “Historias de la noche (The Birthday Party)” |
| Mejor guion | Casper Kelly y Jamie King, por “Buddy” |
| Mejor fotografía | Raphaël Vandenbussche, por “Océano Titánico” |
| Mejor música | Mondo Boys, por “River” |
| Mejores efectos especiales | Hong Jeong-ho, por “Colony” |
| Mejor cortometrajeCortometraje Película de corta duración, normalmente menos de 30 minutos.Ver en el glosario | “Man Eating Pussy”, de Emily Lawson |
| Premio Citizen Kane al director revelación | Adrian Chiarella, por “Leviticus” |
Noves Visions
Jurado: Juan Daniel Fernández Molero, Jeff Goodwin y Gabriela Martí.
| Premio | Ganador |
|---|---|
| Mejor película | “Hen”, de Nico Scheepers |
| Mejor dirección (ex aequo) | Fernando Martínez y Juan González (Burnin' Percebes), por “La muerte de Drácula” |
| Mejor dirección (ex aequo) | Cristian Ponce, por “Familia teme enfrentar una nueva noche de terror” |
| Mejor cortometraje (ex aequo) | “Snakes in Lace”, de Martina Pavlíková |
| Mejor cortometraje (ex aequo) | “NOIZE”, de Javier Rodríguez Pino |
Òrbita, Anima't y Sitges Documenta
| Sección | Premio | Ganador |
|---|---|---|
| Òrbita | Mejor película | “Gummy”, de Javi Prada |
| Anima't | Mejor largometraje | “We Are Aliens”, de Kohei Kadowaki |
| Anima't | Mejor cortometraje | “The Flesh Dress”, de Joachim Hérissé |
| Sitges Documenta | Mejor película | “Dernsie: la vida increíble de Bruce Dern”, de Mike Mendez |
Jurado de Òrbita y Sitges Documenta: Pablo Guisa, Bob Murawski y Natasha Durán. Jurado de Anima't: Hugh Welchman, Chelo Loureiro y Mary Yanko.
Premios Méliès
| Premio | Ganador |
|---|---|
| Méliès d'Or a la mejor película fantástica europea | “Feels Like Home”, de Gábor Holtai |
| Méliès d'Or al mejor cortometraje fantástico europeo | “The Old Lady and the Eternity”, de Marc Martínez Jordán |
| Méliès d'Argent a la mejor película fantástica europea | “The Spiral”, de Paolo Strippoli |
| Méliès d'Argent al mejor cortometraje fantástico europeo | “El moribundo”, de Laura Guerricaechevarría |
Otros jurados
| Premio | Ganador |
|---|---|
| Premio FIPRESCI (primera edición) | “The Incomer”, de Louis Paxton |
| Jurado Carnet Jove (Sección Oficial) | “Ghost in the Cell”, de Joko Anwar |
| Premio Brigadoon Paul Naschy al mejor cortometraje | “The Last Snow”, de Rodolphe Bouquet-Populus |
| SGAE Nova Autoria: mejor dirección | Nausica Serra, por “Dissecció d'una incoherència en crisi” |
| SGAE Nova Autoria: mejor guion | Diana Magallón, por “Amor comestible” |
| SGAE Nova Autoria: mejor música original | Pablo Garayoa y Lídia Grau, por “Amber Lights” |
Premios del público
| Sección | Ganador |
|---|---|
| Gran Premio del Público (Sección Oficial) | “Wildwood”, de Travis Knight |
| Sitges Collection | “5 minutos más”, de Javier Ruiz Caldera |
| Panorama | “The Fox”, de Dario Russo |
| Midnight X-Treme | “Kung Fu Deadly”, de Fergal Costello |
| Blood Window | “No salgas”, de Victoria Linares |
| Focus Asia | “Blades of the Guardians: Wind Rises in the Desert”, de Yuen Woo-ping |
Premios honoríficos de la edición
| Premio | Homenajeados |
|---|---|
| Gran Premio Honorífico | Peter Jackson, Kevin Bacon y Kyra Sedgwick, Danny DeVito, Amy Irving |
| Premio Màquina del Temps | Robert Eggers, Takashi Shimizu, Bob Murawski y Mark L. Lester, entre los cinco premiados |
| Premio Méliès a toda una carrera | Alejandro Amenábar |
| Premio Nosferatu | Bárbara Rey |
| WomanInFan | Meiko Kaji y Adrienne Barbeau |